En esta ocasión el eje rector del concurso será el concepto y espíritu de la Ciudad Hidroespacial.

Las obras ganadoras y las menciones serán posteriormente exhibidas dentro del contexto de la Muestra Bienal 2012 – Ciudad Hidroespacial a realizarse en el Planetario Galileo Galilei, tentativamente durante el mes de septiembre de 2012.

La Segunda edición del Premio Bienal vuelve a convocar como jurados a Rodrigo Alonso y Graciela Taquini (Profesora Consulta de la Universidad Maimónides), ambos reconocidos especialistas, artistas y curadores en arte contemporáneo y nuevos medios; junto a Tomás Oulton, director de Objeto a, reconocido por su trayectoria empresarial en el campo tecnológico. Oficiará como presidente del jurado el Maestro Gyula Kosice.

Los proyectos participantes serán recibidos entre el 1 de marzo y el 2 de mayo de 2012. Las bases y condiciones pueden ser consultadas en las páginas oficiales de Objeto a: www.objeto-a.com.ar (sección Próximo eje) y en www.bienalkosice.com.

Para consultas escribir a bienalkosice@objeto-a.com.ar

Del 24 al 26 de noviembre de 19:00 a 23:30, en el Centro Cultural General San Martín (CCGSM), Sarmiento 1551, CABA.

El colectivo artístico de la Universidad Maimónides Proyecto Untitled presentará su obra Late en la nueva edición de Cultura y Media.

Late es una instalación interactiva desarrollada a partir de conceptos e investigaciones científicas.

La obra consiste en nueve videos generados a partir de filmaciones reales de embriones desde su fertilización hasta la novena semana de embarazo, que se proyectan sobre unas baldosas de acrílico.

El espectador tiene la oportunidad de interactuar con la obra ya que al acercarse se revierte el ciclo de crecimiento hasta su punto de origen, y al alejarse el proceso comienza nuevamente.

Sobre Proyecto Untitled

Proyecto Untitled está integrado por tres directivos y docentes de la Escuela de Diseño y Comunicación Multimedial: Romina Flores, Alejandra Marinaro y Daniel Wolkowicz, a quienes se suma un grupo de alumnos interesados en explorar los alcances del vínculo entre el arte y las nuevas tecnologías.

Proyecto Untitled ha realizado desde el año 2006  las videoinstalaciones “Dialahogando” y “Escaleras”; tres instalaciones donde se experimentó con organismos vivos: “Invernadero Lúdico” , “Incubaedro” y “Edenia”;  instalaciones donde se utilizó agua: “Máquina de lluvia”, “Potábile, “Dialahogando” y “Late”; la obra robótica “Floris Lupus” y el videojuego artístico “God of Weather”.

Desde el año 2008 se interesaron en incorporar elementos biológicos a sus obras, para lo cual invitaron a participar  a científicos, artistas e investigadores del área, siendo un colectivo pionero en la Argentina en el desarrollo de obras de bioarte.

Sus obras se presentaron en el Centro Cultural Gral. San Martín, el Centro Cultural Recoleta, en los eventos Onedotzero, Eva 2008, Sinestesia, Fuga, Fase, la Noche de los Museos y en las galerías Objeto-a y Arte x Arte.

Sobre Cultura y Media

En la sexta edición de Cultura y Media - Lo Nuevo de lo Nuevo!, las propuestas que se desarrollarán giran en torno a shows de música electrónica, performances, charlas, instalaciones lumínicas y reactivas, fotografía digital, video expandido, obras interactivas, esculturas robóticas, objetos multimediales, entre otros.

Las nuevas tecnologías son el idioma del siglo XXI. Están presentes a cada momento y en cada acto de interrelación con nuestros semejantes. Cuando entran en diálogo con la cultura, se establece un juego de mutuas influencias que las realimenta y las reconfigura. De esas múltiples idas y vueltas, en muchas ocasiones nacen la creatividad, la innovación y el arte.

Buenos Aires posee una rica tradición y un presente prolífico en este tipo de cruces y mixturas. Las nuevas tendencias, ayer analógicas y hoy digitales, siempre se adentraron en los caminos de la experimentación en busca de ampliar nuestros horizontes estéticos e intelectuales. Así, Tandem, intercambio artístico y cultural entre Buenos Aires y Paris, elige en esta oportunidad al CCGSM como espacio de muestra y exposición de un espíritu constante de indagación alrededor de lo nuevo, que sin dudas constituye uno de los pilares que hace de nuestra ciudad una de las capitales con mayor resonancia cultural.

Para mayor información: multimedia@maimonides.edu

El 16 de noviembre a las 19hs, en la Sala 9 del Centro Cultural Recoleta (CCR), se inaugura con entrada libre y gratuita la muestra fotográfica “Mundos paralelos” de Myriam Suetta. En ella, la artista expondrá su trabajo con la imagen, donde lo que se ve como “real” se presenta como el disfraz que oculta una realidad más profunda.

Como afirma Ana Aldaburu en su texto “Myriam Suetta. Una metafísica de este tiempo“:

“Myriam entiende la fotografía como un acto de fe, pero no nos pide creer en la veracidad de sus tomas, sino que quiere acercarnos sus más íntimas convicciones. Sombras, reflejos, difracciones de la luz, apariencias móviles, imágenes de espejo retrovisor: en sus obras el mundo de las apariencias aparece en primer plano,  y esas imágenes desrealizadas –con menos peso que lo que consideramos “real”-  buscan señalar esa realidad más “real” que lo que muestran sus imágenes.  Un juego que sugiere mostrando que hay algo que se oculta, este juego de desocultamiento y ocultamiento del que Heidegger dice que es la verdad.”

Como sucede en una fiesta de disfraces, lo que se ve y lo que se muestra es puesto en escena para desviar la atención sobre la verdadera identidad. Pero en la vida real muchas veces los disfraces son usados tan insistentemente que se acaba creyendo en ellos, olvidando su carácter funcional y lúdico. La cámara curiosa de Myriam Suetta busca rasgar esa envoltura que oculta lo verdadero detrás de la costra de lo aparente, exponiendo las capas de realidad profundas imposibles de percibir sin una mirada atenta.

Sobre la artista

Myriam Suetta descubrió la fotografía de la mano de Filiberto Mugnani y Alberto Goldenstein, entre otros maestros. Obtuvo en 2005 el primer premio en Fotografia en el Salón del Pequeño Formato, Museo Claudio León Sempere. Desde febrero de 2007 hasta la actualidad integra el equipo de fotografía del Centro Cultural Recoleta. Sus fotografías fueron publicadas en distintos medios de prensa como Página 12, La Nación y Clarín; también ha participado en la elaboración de catálogos y cubierto una vasta gama de espectáculos, festivales y exposiciones. En 2009 sus trabajos fueron seleccionados por el Espacio Ecléctico para participar de la Feria de libros de fotos de autor realizada en México.

Muestra Fotográfica “Mundos paralelos”

Apertura: 16 de noviembre a las 19 hs

Martes a Domingo de 14 a 21 hs

Cierre: 11 de diciembre

Sala 9 del Centro Cultural Recoleta

Junin 1930 – Ciudad de Buenos Aires

Entrada libre y gratuita

La alumna Pilar Alfaro de la Licenciatura en Tecnología Multimedial realiza un análisis sobre la obra teatral “Un tranvía llamado deseo”, la tragedia contemporánea de Tenesse Williams, para la Cátedra de Humanidades, materia de primer año.
A lo largo de su análisis, la alumna nos revela cómo esta tragedia se desarrolla sobre tres tópicos fundamentales: la hipocresía, el “deber ser” y las situaciones extremas.

Las tres vías del “Tranvía llamado deseo”

Crítica de “Un tranvía llamado deseo” de Tennesse Williams.
Adaptación y Dirección: Daniel Veronese.
Con Diego Peretti, Erica Rivas y elenco. Teatro Apolo.

“Un tranvía llamado deseo” nos propone un recorrido hasta los sentimientos profundos, humanos y universales de cada hombre y de cada mujer. Se concentran en los personajes el amor filial de los hermanos de sangre, el desprecio y maltrato por lo distinto, la violencia, la locura, la muerte, la amistad, la búsqueda del amor o la relación de pareja. No son pocos los tópicos que Tennesse Williams propone admirablemente y Daniel Veronese dispone en la puesta y dirección.

La historia y la tragedia
Blanche Dubois (exquisita interpretación de Erica Rivas) llega inesperadamente a la casa de su hermana Stella (Paola Barrientos) en la ciudad de Nueva Orleans. Su actitud arrogante genera desconfianza en su cuñado Stanley Kowalski (Diego Peretti), un rudo obrero de origen inmigrante, cuya personalidad atrae y repele a Blanche con la misma fuerza. Mientras Blanche se deja fascinar por este nuevo mundo, la determinación brutal de Stanley por develar sus secretos la llevarán a retirarse aún más de la realidad hacia un mundo ilusorio.
La historia de la obra tiene características propias de la tragedia: existe en la trama una unidad de lugar (se desarrolla en un único espacio), unidad en el tiempo y unidad en la acción. Estas tres características de unidad establecidas por Aristóteles se dan en la trama: todo ocurre en un mismo momento en una casa en los suburbios de la ciudad de Nueva Orleans. En cuanto a la acción, el conflicto aparece cuando Blanche decide visitar a su hermana Stella, choca con la rudeza de Stanley y con lo distinto de los personajes del entorno.
Este conflicto hace que aparezcan distintos agon (luchas), cada personaje contra sí mismo y con los demás, sobre todo los tres principales.
Blanche vive su propio agon, consigo misma y con su entorno. Ciertamente despreciativa con el nuevo vecindario y la casa, por su precariedad o sencillez, es muy crítica con todo. Pero a la vez ese entorno que ataca es el único que la acoge y le da el lugar para vivir que ella no posee. Compite y desprecia a los demás, en la misma medida en que los necesita: el amor de su hermana que mitiga un poco su soledad, la posibilidad de encontrar el amor con Harold Mitchell (amigo de Stanley, protagonizado por Guillermo Arengo) o la bebida alcohólica que otros le consiguen porque ella no se la puede costear a causa de su debacle económica.
Stanley, trabajador y digno hijo de inmigrantes polacos, tiene su agon al intentar desenmascarar las mentiras de su cuñada. Se muestra amoroso con su esposa y contento con esperar familia; pero también esconde un lado rudo y violento para con el género femenino, al que a la vez ama, necesita y castiga.
Por su parte Stella también vive su propia lucha, entre los deseos contrapuestos de su hermana y de su marido. Se muestra comprensiva, amorosa y cuidadosa con los seres más cercanos e intenta conservar a la familia que logró tener, aún cuando ello supone resignarse al maltrato y al encubrimiento.
Retomando los postulados de Aristóteles respecto de la tragedia, el filósofo sostiene que el héroe debía ser una persona de un nivel ético importante. En ese sentido, el planteo de esta obra se acerca más a la concepción de Arthur Miller, que considera que la tragedia es en verdad optimista, centrada en el hombre común.
El héroe trágico está abocado a reclamar la parte que le toca como persona, lucha y no se queda de brazos cruzados. Es así como “la posibilidad de la victoria se encuentra allí, en la tragedia”, como dice Miller, y es en estos tres personajes que hay una lucha, desde sus vidas “comunes”.

Tres tópicos
Según mi interpretación, se pueden analizar tres temas en la obra de Williams: la hipocresía, el “deber ser” y los extremos.
En cuanto a la hipocresía, la obra me recuerda a lo visto en clase acerca de la actitud de algunos frente al nacimiento de la burguesía y todas sus implicancias: estuvieron los que optaron por tomar una actitud hipócrita, mostrando o diciendo algo cuando en realidad sostenían lo contrario. Sin embargo, muchas veces necesitamos de la hipocresía para poder vivir en sociedad.
En cada agon de los personajes hay una hipocresía. Blanche construye para afuera una serie de mentiras, por ejemplo sobre su vida amorosa pasada, que le sirve para mostrarse “superior”, cuando en realidad ni ella misma termina distinguiendo la realidad de la fantasía o de su deseo en aquello que relata. Stanley ha logrado construir una familia y lo que ama es lo mismo a lo que trata con violencia. Stella le enumera a su hermana las bondades de su vida, de su marido y de su entorno, cuando la realidad termina demostrando que no es todo tan ideal como ella lo cuenta.
Según sostuvo Williams, “no existe la gente `buena´ o `mala´. Algunos son un poco mejores o un poco peores, pero todos son movilizados más por los malentendidos que por la malicia”. No todos somos ni tan buenos ni tan malos. Esta actitud hipócrita es apenas una manera, sino la única, que los personajes encuentran para poder vivir.
Por otro lado, hacia el final de la obra, Blanche sostiene que: “-No digo la verdad, sino lo que debería ser la verdad”. Ahí está el deber ser. El personaje construye el relato de su vida, sus sentimientos y su pensar en lo que debería ser o debería haber hecho. Y esta confusión hace que llegue un punto que ni ella misma pueda distinguir entre lo construido, lo inventado, lo real, lo feliz o lo doloroso, camino que inevitablemente la llevará a la locura.
Por último, comenta Veronese: “La lucha por defender, por salvaguardar nuestro espacio privado destruye muchas veces la necesaria prudencia que debe existir hacia el otro, provocando que se pierda el sentido de la verdadera existencia. Pero está en la condición humana en general, no en una clase, la imposibilidad de evitarlo”.
Son las situaciones extremas, como por ejemplo la locura, los recursos que Williams utiliza para mostrarnos la posibilidad o imposibilidad de las circunstancias de la vida. Blanche vive su aporía, su sin salida, y se refugia en un mundo que está lejos del de su hermana y del de su propia vida. Así es que dice: “La belleza es algo efímero”.

La videoinstalación coreográfica “Hombre Rebobinado”, de Margarita Bali, continuará en cartel durante octubre y noviembre tras su paso por el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA).
La pieza coreográfica se desarrolla a través de una videoinstalación junto a ocho intérpretes en vivo que juegan con la percepción del espectador, hasta volver difuso el límite entre lo real y lo virtual. El absurdo y el humor afloran naturalmente en el vaivén entre la fantasía y la realidad.

La coreógrafa Margarita Bali es también videasta y realizadora de video-instalaciones, videomapping e interactividad. Su obra “Hombre Rebobinado” ha recibido un Subsidio a la Creación de Prodanza.

Para obtener más información, comunicarse vía e-mail a margarita.bali@fibertel.com.ar
o visitar www.margaritabali.com

El Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) junto con Rituales de Pasaje, el Complejo Teatral de Buenos Aires y el Centro Buñuel de Calanda convocan al Festival “Imaginando a Buñuel”, Primer Festival Iberoamericano de Cortometrajes.

El objetivo es presentar una muestra de cortometrajes de corte surrealista o inspirados en el universo cinematográfico de Luis Buñuel.

Podrán participar cortometrajes realizados con posterioridad al año 2000 por creadores iberoamericanos, en cualquier técnica y con una extensión máxima de 30 minutos.

El plazo de inscripción cierra el 26 de octubre de 2011.

Los cortometrajes seleccionados serán exhibidos durante el Festival en la sede del CCEBA, los días 8, 9 y 10 de noviembre de 2011.

Para obtener mayor información, es posible visitar el sitio web:
http://www.cceba.org.ar/v3/ficha.php?id=753

El alumno Fernando Iacobaccio, del primer año de la Licenciatura en Tecnología Multimedial, Cátedra de Humanidades, desarrolla su reseña sobre la charla ofrecida por el historiador de cine Raúl Manrupe en el Auditorio de la Universidad Maimónides, dentro del ciclo de conferencias “Pensar la cultura”.

Custodiando la memoria del cine nacional

Raúl Manrupe, investigador, realizador y coordinador del Área Cine y Video del Centro Cultural Ricardo Rojas, dio lugar a una interesante y llamativa presentación. Un hombre sencillo, de notables conocimiento sobre el cine y su historia –particularmente el cine nacional-, cálido y peculiarmente gracioso, comenzó por contarnos cómo es escribir sobre cine en Argentina. Como primer ejemplo, tomó uno de los libros que realizó junto con un grupo de investigación (“Un diccionario de films argentinos”)  y explicó, de manera entendible para cualquiera, lo que significaba el haber publicado un tomo sobre las reseñas de las películas argentinas más significativas desde el año 1930 a 1995.
Explicando los orígenes de esta obra, confesó haber tenido dificultades por las cuales pasar y etapas de aprendizaje vitales para nunca bajar los brazos. Hubo momentos donde sus palabras eran como las de un maestro, con ejemplos concretos sin ningún tipo de vacilaciones y respuestas sin titubeos ni vueltas.

-    “…Dentro de la Argentina existe una necesidad de dejar constancia, registro, de que se pueda hacer una revisión. Es como si quisiéramos probarnos cosas a nosotros mismos…”

Con esta frase, el disertante encaminó la charla a la razón por la cual pretendía, en aquel entonces, comenzar un arduo proyecto de investigación cinematográfica y plasmarla en un tomo explicativo de las películas importantes y no tan importantes del cine nacional.
El primer tomo demoró en realizarse cinco años, y según Raúl la “inspiración era vital –y lo sigue siendo…” para la realización diaria de fichas sobre películas que probablemente pocos hayan visto.

-    “… lo primero que me inspiró fue un libro de Romero Alsina: ‘Cine Sonoro Americano y los Oscars de Hollywood’; y cuando lo terminé de leer me dije: ‘Qué bueno sería hacer un diccionario de actores’ como ‘Biografías de gente de cine’ de Malteen…”

Al pasar el tiempo, iba comentando anécdotas de cómo conseguían las películas para mirarlas y luego, en la Biblioteca Nacional, buscaban las críticas de diarios y revistas para incluirlas dentro de las fichas de cada una de las películas que iban apareciendo. Un hecho llamativo fue la súbita confesión de su ambición por realizar las fichas de películas que no habían sido estrenadas o habían quedado inconclusas en el país, pero lo más sorprendente fue la inclusión de películas estrenadas sólo en el extranjero. Claro está, que las películas que habían sido estrenadas en países extranjeros incluían una crítica de algún diario o revista del país del estreno. Otra de las sorpresas del tomo fueron las películas de origen extranjero pero con coproducciones nacionales.
Un dato influyente, pero no menor, fue que en cada una de las fichas de las películas se hacía una referencia histórica de acuerdo al momento cuando la película había sido estrenada, como por ejemplo referencias a un mandato presidencial, la muerte de algún líder político importante, o un acontecimiento artístico, etc.
Al avanzar sobre la charla, el confesado amante del cine nacional reveló muchas de las fuentes de información donde recopilaba las críticas, resúmenes, repartos y dirección, entre otras cosas, de las películas tanto netamente nacionales como las estrenadas en el extranjero. Entre las fuentes se encuentra la famosa revista de cine de antaño que publicaba  el Cine Club Núcleo y la publicación “CINE en la cultura argentina y latinoamericana”. Luego tomaban comentarios de revistas de fichas de las películas, recortes de diarios, todo ayudaba a recopilar información. Además, mandaban cartas a –por ejemplo- España, para recaudar información sobre aquellas coproducciones o películas estrenadas allí pero no en el país.
El orgulloso autor confesó:

-    “Empezamos a recorrer, a medida que el libro iba creciendo, editoriales, bibliotecas, etcétera. No éramos más que unos chicos jugando a ser investigadores, muchos, ni siquiera contestaban nuestras cartas. […] Antes de presentar el libro no éramos nadie y ahora somos los autores del libro.”

Pese a los momentos duros que tuvieron que sobrellevar, el coordinador del Área Cine y Video en Centro Cultural Ricardo Rojas, rescata un valor fundamental para el comienzo y continuación de un emprendimiento de ésta magnitud:

-    “Cuando es un trabajo de investigación es fundamental hacerlo en equipo; y hay 4 variantes, trabajan los 2, no quieren trabajar ninguno de los dos, quiere uno y el otro no, o quiere el otro y uno no. En lo que cada uno es mejor, es importante aprovecharlo.”

Exponiendo anécdotas de los buenos momentos y las enseñanzas aprendidas, Raúl, como cualquier maestro que enseña a sus alumnos, explicó que la perseverancia es crucial para poder llevar a cabo día a día un proyecto así, o cualquier proyecto a largo plazo como una monografía o una tesis. Para explicarlo habló de una “disciplina” al momento de hacer este tipo de cosas.  “…No dejar pasar un día sin hacer al menos una página…” dijo citando a un autor, pero a lo que se refirió él es a que siempre, día tras día, hay que hacer algo. “…Un día quizás haces 25 páginas y al otro día buscas si ‘comisión’ va con ‘S’ o con ‘C’…”
Al concluir la charla ahondó un tema que surgió por las preguntas que los espectadores le iban haciendo a lo largo de la exposición, que hoy en día lo ofusca: los dibujos animados de la industria nacional. Teniendo en cuenta que el primer largo de dibujos animados es una creación nacional, animaciones cuadro por cuadro de dibujos que hablaban de política y se mofaban del gobierno de turno, hoy él ve a la industria deteriorada y sin rumbo concreto. Aborrece la falta de compromiso en la industria del largometraje animado nacional:

-    “Los cortos son fascinantes, pero de los largos se perdió el rumbo; o fallan al target, o, no hacen las cosas de la manera correcta. Hay errores de animación donde un animador los nota sin ser especialista.”

Luego de hablarnos del segundo y tercer tomo de “Un diccionario de films argentinos”, confesó que en algún momento de la investigación, con el avance de la tecnología en la comunicación, la facilidad con la que se consigue una película hoy en día y la creciente cantidad de películas nacionales y coproducciones argentinas, se le cruzó por su ocurrente y alocada mente realizar un resumen mensual de las películas que iban siendo estrenadas, pero que era mucho más demandante y costoso, por lo tanto, contó que por el momento junto a sus compañeros de equipo irían armando un tomo cada –aproximadamente- 5 años o menos.
Para finalizar, comentó la composición de su equipo de investigación como “peculiar” y “compuesto como debe ser todo grupo de investigación histórica”. Raúl accedió a contarle a los oyentes que si desean armar una tropa de averiguación, era necesario contar tanto con personas jóvenes recién graduadas como de gente con mucha experiencia; para poder discutir de cómo se ve una película de acuerdo a la mirada del espectador.
El autor de los tomos de “Un diccionario de films argentinos” concluyó su charla diciendo:

-    “…Hoy por hoy el cine está en todos lados, en el tren: con los muchachos que te ofrecen la última de Keanu Reeves –que está en cartelera-; en tu compu: con ‘Cuevana’ y todas esas páginas para ver peli; en la calle; en todas partes. Hay millones de festivales de cines y mientras pasa el tiempo se están creando nuevas generaciones de espectadores…”

Gracias a él, se puede contar con un resumen específico de lo que significa el cine argentino. Gracias a fervientes amantes de “lo nuestro”, como Raúl, es que hoy contamos con tamaña colección de títulos guardados en uno -o tres- tomos para jamás olvidar a los éxitos y a los productos nacionales que nos hicieron lo que somos hoy, una poderosa industria de creación y producción de películas e ideas para exportar al mundo y seguir pisando fuerte en la industria del cine y el entretenimiento.

Crédito de la fotografía: Sergio Victorino

¡La televisión es todo un éxito!

“La Antena” es una película de género fantástico con influencias del expresionismo alemán y del cine mudo, en donde todo está analizado y expresado de una forma peculiar. Es un cine que no tiene época ni fronteras, ya que posee una trama en la que todos estamos involucrados y no hay referencia de lugar, ni un momento histórico específico (salvo por la connotación de la estética).
La película muestra una visión exagerada de la sociedad de consumo, en donde las personas pierden cosas fundamentales a cambio de consumir. Es interesante ver como el sistema, representado -en mi opinión- por la niña encerrada en la bola de cristal (casi como un ente, trabajando sin descanso), se las ingenia para ofrecer productos con ayuda de la televisión, a costo de los consumidores mismos (o en este caso, sus voces).
No es casual que el director haya decidido que lo que pierden los habitantes de este mundo es la voz, ya que esto refiere directamente a la pérdida de comunicación y de la propia opinión, ya que el habla es el medio por excelencia para expresarse.
Otro hecho interesante es que el principal secuaz del Sr. Televisor sea un Hombre rata, mientras que otros menos importante no poseen siquiera identidad. Esto es una acusación a las personas que luchan por una empresa o por un fin que no le son propios, es decir, que no las representa ni les da beneficios, sino que por el contrario los perjudica.
Desde que se afianzó la TV como uno de los elementos de consumo más habituales en nuestra sociedad, muchas personas la han criticado al asociarla directamente con el concepto de empresa y monopolio. Según estos cuestionamientos, la televisión no sólo ofrece un producto efímero, sino que por el contrario, ofrece educación y creencias bajo la forma de información, y es por lo tanto muy importante comprender que la programación es un reflejo de cierta cosmovisión e intereses, los que no necesariamente coinciden con los nuestros.
Varios afirman que la opinión pública no existe, ya que la opinión de la masa es la voz de un grupo pequeño de individuos que actúa en los medios para transmitir el parecer de los dueños de estas empresas, y el público sólo las acepta como propias (y a veces las asume como bandera de lucha).

Cine expresionista

¨El cine expresionista alemán impuso en la pantalla un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad, traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados, maquillajes, etc. y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o, cuando menos, inquietantes. El cine expresionista se caracterizó por su recurrencia al simbolismo de las formas, deliberadamente distorsionadas con el apoyo de los distintos elementos plásticos. La estética expresionista tomó sus temas de géneros como la fantasía y el terror, reflejo moral del angustioso desequilibrio social y político que agitó a la República de Weimar en aquellos años. Con fuerte influencia del romanticismo, el cine expresionista reflejó una visión del hombre característica del alma “fáustica” alemana: muestra la naturaleza dual del hombre, su fascinación por el mal, la fatalidad de la vida sujeta a la fuerza del destino.¨
El autor de la película crea un mundo en donde rige la maldad y principal villano tiene como fin conquistar el mundo, sin importarle que el medio sea devastar al ser humano.
El sistema de este lugar es tan excelente que incluso cuando los subordinados observan con sus propios ojos su funcionamiento, continúan obedeciendo. El Hombre rata ve a la niña encerrada en la bola, procesando las palabras y convirtiéndolas en comida, y para mi sorpresa, sigue peleando contra esta familia que lucha por el bien común. A pesar de esto, el autor da un mensaje esperanzador: una familia cualquiera decide hacerse responsable del niño que podría salvar la comunicación, poniendo en riesgo su propia vida y luchando por algo mejor y justo.
Gracias a la trama y las decisiones estéticas: el uso del blanco y negro, el sonido con adjuntos orquestales, la perspectivas rotadas, los enfoques mediante algo similar a un ojo de pez, los cambios de planos, la iluminación y las sombras, los recursos del montaje -como los fundidos en negros y la cortinilla-, han logrado construir una realidad deformada como el género indica. También la utilización de determinados recursos cinematográficos reunió condiciones similares a un comic, esto sumado a los símbolos nazis y al Hombre rata, que me recordó especialmente al comic Maus.
En conclusión, me pareció una película interesante hecha con buen gusto. Me resultó también llamativo su origen, ya que no encontré características comunes con el cine nacional.  La misma trama del film explica la razón por la cual este no es el cine que podemos acceder con facilidad, ya que no es el elegido para transmitir en todos los hogares.
Considero que es muy importante que este tipo de cine recorra la mayor cantidad de televisores posibles, por esto, me fue muy grata la experiencia.

Versión de Hamlet multimedia
Mi reflexión acerca de la obra es positiva, ya que me pareció por distintos motivos innovadora, novedosa y atractiva: la implementación de multimedios (por ejemplo: el actor principal, Lars Eidinger, se enfoca a sí mismo con una cámara y esa imagen aparece en la pantalla general) y el hecho de que veinte personajes diferentes fueran representados solamente por seis actores.
El único aspecto negativo de la obra fue que en algunos momentos fallaba el cartel electrónico que permitía a los espectadores leer los subtítulos en castellano con los parlamentos de los actores, al punto que dejó de funcionar momentáneamente alrededor de diez minutos; pero frente a esta situación inesperada el actor principal salió airoso bromeando sobre este hecho y poniendo una cuota de humor al inconveniente, al mirar al público diciendo “game over” (juego terminado).
En cuanto a la puesta en escena, puedo decir que fue una obra un tanto oscura y lúgubre, lo que no quitó el interés por ella. Causó impacto, por ejemplo, el principio de la obra con la música estridente, el féretro rodeado de barro y la lluvia (que representaban la escena de la muerte del padre de Hamlet).
Es notable y admirable el histrionismo de Lars Eidinger, ya que pasa por diferentes estados emocionales de un modo muy dúctil. Es un Hamlet avasallante, desprejuiciado, absurdo, con sentido del humor, emotivo, a veces infantil, pero sobre todo con una inteligencia superior a los demás ya que él se hace pasar por loco frente a todos (y se lo creen) menos con sus amigos, con los cuales se muestra tal cual es y les cuenta el gran dolor y vacío que siente por la pérdida de su padre.
De la vestimenta, opino que era discreta y formal.
Algo que me llamó poderosamente la atención fue cuando Eidinger representa a Ofelia y se cambia de ropa para encarnar a Hamlet. En ese momento fue posible notar que usaba un body (prenda femenina) con relleno para simular el cuerpo robusto de Hamlet, ya que la fisonomía del actor era todo lo contrario. Eso me impresionó bastante, ya que no me lo esperaba.
A pesar de mantener el texto original de la tragedia escrita por William Shakespeare, el director alemán Thomas Ostermeier en su adaptación implementó cierto lenguaje contemporáneo, que se ve reflejado en frases del actor principal, como por ejemplo: “anteojos berretas de obra social” u otras frases un poco subidas de tono.
Es notable el entusiasmo de todos los actores, el estado de éxtasis en que por momentos quedan inmersos.
En cuanto a los términos vistos en clase, puedo decir que la obra refleja claramente la tragedia, ya que culmina con muchas muertes y en el dolor de Hamlet por el fallecimiento de su padre, que no tiene solución. La anagnórisis, a mi entender, se da cuando Hamlet se entera que quien mató a su padre es en realidad su tío Claudio, el actual Rey de Dinamarca.
Es una obra más bien dionisíaca, ya que predominan las fuertes emociones, la locura, la exaltación y lo incontrolable de todos los accionares.

La artista plástica Mirta Kupferminc celebra 30 años de docencia y lo hace con una mega muestra titulada “Malabares. Docencia y arte: diversidad en la totalidad”, en la que participarán artistas formados en su taller, ex alumnos invitados para festejar y poner en valor los vínculos sólidos entre quienes enseñan y quienes aprenden en un espacio habilitado para crear y crecer en libertad.
La mega muestra tiene curadoría de la propia Mirta Kupferminc junto a Viviana Romay, quien firma el texto curatorial, y está dividida en cuatro etapas, cada una con diferentes expositores:

1º Muestra: del jueves 22 de septiembre al 6 de octubre
2º Muestra: del jueves 13 al 27 de octubre
3º Muestra: del jueves 3 al 17 de noviembre
4º Muestra: del jueves 24 de noviembre al 15 de diciembre

La muestra hace foco en la diversidad dentro de la totalidad. Durante las tres primeras muestras seis artistas invitados formados en el taller de Mirta Kupferminc exhiben sus creaciones recientes.
La última fecha está reservada a los alumnos que hoy asisten al taller, en donde sorprende la gran variedad de individualidades plasmadas en la producción artística.

Además se ofrecerá el ciclo de charlas La cocina de la creación, donde la anfitriona Mirta Kupferminc será acompañada por los artistas invitados Eduardo Stupia y Norma D`Ippolito.

Muestra “MALABARES. Docencia y arte: diversidad en la totalidad”
Galería Objeto-A – Niceto Vega 5181 – Ciudad de Buenos Aires

1º Muestra: del jueves 22 de septiembre al 6 de octubre
2º Muestra: del jueves 13 al 27 de octubre
3º Muestra: del jueves 3 al 17 de noviembre
4º Muestra: del jueves 24 al 15 de diciembre
Además Ciclo de Charlas: La Cocina de la Creación
Gallery Nights: miércoles 28 de septiembre y martes 6 de diciembre

Horario: martes a sábado de 16 a 20 hs
Informes: 4773-0292

http://www.objeto-a.com.ar/es/eje_actual.php